Fonte dell’immagine：https://www.broadwayworld.com/houston/article/Interview-Derek-CharleS-Livingston-The-Newest-Artistic-Director-At-STAGES-Houston-20241029
Derek Charles Livingston è il nuovo direttore artistico di STAGES HOUSTON dopo che Kenn McLaughlin ha lasciato la sua posizione dopo 25 stagioni.
Recentemente, Derek è stato il direttore dello sviluppo di nuove opere al Utah Shakespeare Festival.
In precedenza, ha ricoperto il ruolo di direttore artistico della Celebration Theatre a Los Angeles, lavorando ampiamente come attore e nel campo dello sviluppo di nuove opere.
Broadway World dà il benvenuto a Derek a Houston in modo formale.
Lo scrittore Brett Cullum ha avuto l’opportunità di parlare con Derek riguardo il suo futuro a STAGES.
Brett Cullum: Benvenuto a HOUSTON, Derek Charles Livingston! Siamo così entusiasti di averti qui.
Derek Charles Livingston: Grazie mille.
È davvero emozionante essere qui in una città così diversificata, con una comunità teatrale e una comunità afroamericana e latina molto attive.
Questo mi nutre personalmente come artista, quindi grazie per il benvenuto a Houston.
Brett Cullum: La diversità di Houston è incredibile, e anche quella del teatro che si svolge qui.
Come hai scoperto che il teatro era qualcosa che volevi fare?
Derek Charles Livingston: Probabilmente non c’è mai stato un momento in cui non volessi fare teatro.
Crescendo in un quartiere di classe lavoratrice e svantaggiato, nelle scuole non avevamo programmi d’arte attivi.
I teatri scolastici avevano una banda, ma non un programma d’arte forte e attivo.
Così sembrava sempre un sogno o qualcosa che era al di là di ciò che era possibile.
Ho speso i miei soldi, come la mia paghetta, e i soldi guadagnati facendo babysitting e i soldi per il taglio dell’erba, e andavo a vedere gli spettacoli in tourné che passavano per Sacramento presso il grande centro civico.
Anche quando ero un bambino delle elementari o della scuola media.
Sacramento ha un programma estivo, il SAC, e il Sacramento Music Circus, che era in una grande tenda quando io crescevo.
Era un teatro circolare, con un diverso musical ogni due settimane.
Ogni tanto, mia madre ci portava a vedere gli spettacoli più adatti ai bambini.
Un anno per il mio compleanno, mi ha regalato un abbonamento per la stagione estiva!
Ma pensare che potessi fare questo per vivere non era mai stato nella mia mente.
Quando sono arrivato al college, ci furono audizioni aperte per un musical; a dire il vero, non avevo mai preso una lezione di canto in tutta la mia vita.
Ma essendo un’audizione aperta, ho detto: “Oh, chiunque può presentarsi”, così mi sono presentato e ho cantato “The Greatest Love of All” a cappella.
E sono stato richiamato per il ruolo principale.
Ho pensato, “Wow, devo avere talento.”
Quella fu l’unica cosa che accadde durante il primo anno.
Decisi quindi che sarebbe stata una buona idea frequentare un corso di recitazione.
In quel modo ho iniziato a recitare e sono stato il peggior allievo della mia classe di recitazione.
C’era solo una persona più in difficoltà di me, e lui si bloccò letteralmente e non riuscì a fare il suo primo monologo.
Non era mai stato in una classe di recitazione o in una classe di dizione in tutta la sua vita.
Ma a parte questo, direi che ero il peggiore della mia classe di recitazione.
Ma le cose sono migliorate, sono stato scelto per un paio di spettacoli e ho iniziato a farne di più.
Il momento fondamentale che vorrei menzionare riguardava il programma di sviluppo di nuove opere e il programma di laurea nel dipartimento di inglese, non nel dipartimento di teatro di Brown, che era gestito da un’artista teatrale di nome Paula Vogel.
Oh, sì, una delle drammaturghe e insegnanti di drammaturgia più influenti d’America.
Organizzava laboratori di lavori di laurea in cui i docenti di bachelor erano attori.
E io ero in uno di questi laboratori, e non capivo cosa stesse succedendo.
Quindi feci delle scelte audaci,
e ricordo che Paula mi chiese alla fine: “Hmm! Tu dirigi?”
Non so se fosse perché la recitazione era così brutta o perché le scelte erano così audaci.
Tuttavia, cercava sempre di avere uno studente universitario che mettesse in mostra, così mi abbinò a un’altra studentessa per dirigere il suo spettacolo.
Quel drammaturgo era Rachel Shankin, che in seguito vinse il Tony Award per il libro di PUTNAM COUNTY SPELLING BEE.
Così ho diretto il suo primo spettacolo, ed ero il suo primo regista.
Era molto più brillante di me, ma di nuovo, ho fatto alcune scelte audaci.
Non so se fosse mai soddisfatta, ma era sicuramente cortese anche allora come studentessa.
Quello fu l’inizio della mia carriera come regista al college, e migliorai molto e divenni davvero bravo.
E, prima di lasciare Brown, avevo ricevuto una buona educazione, che fu importante perché era stata molto costosa.
Così è iniziato tutto nel mio primo anno a Brown, e sono stato fortunato.
Entro i primi sei mesi dopo la scuola, ho avuto un tirocinio nel casting presso il Playwrights Horizons ed è stata un’esperienza straordinaria.
Il teatro produceva un primo mondiale e tre opere vincitrici del Premio Pulitzer in quattro anni, tra cui SUNDAY IN THE PARK WITH GEORGE, DRIVING MISS DAISY e THE HEIDI CHRONICLES.
THE HEIDI CHRONICLES era a Broadway in quel momento, quindi uno dei miei compiti era essere assistente al casting per quel lavoro.
Ero lì quando Tony Shalhoub è venuto a fare il provino per il ruolo di Scoop.
Si trovava in un ufficio del regista insieme alla meravigliosa Wendy Wasserstein, che era una persona deliziosa e una drammaturga straordinaria.
Inoltre, quella stagione si teneva il workshop e la prima produzione di ONCE ON THIS ISLAND.
Ho incontrato Stephen Flaherty e Lynn Ahrens, le persone più adorabili del mondo, e ho avuto l’opportunità di vedere sviluppare un nuovo musical dal workshop alla prima produzione.
Ero la persona cui toccava impostare le luci perché ero l’unica persona in staff con il colore giusto per abbinarsi agli attori dello spettacolo.
E la seconda parte di ciò che ora si chiama FALSETTOS fu presentata quell’anno.
Ho una meravigliosa foto di me con il cast originale,
ed ero seduto dietro James Lapine alla prima di quel spettacolo.
È stato un periodo incredibile per essere lì.
Ero seduto alla mia scrivania come un umile stagista di casting, quando quest’uomo barbuto si avvicinò all’angolo con le braccia incrociate perché stavamo facendo un workshop del suo nuovo musical.
Alzai lo sguardo e feci un sospiro interno.
Ero abbastanza intelligente da non esprimere il sospiro ad alta voce, e in modo molto stile Homer Simpson, ho pensato: “Non dire nulla di stupido.”
E mi sono rivolto a quell’uomo barbuto con le braccia incrociate e ho detto: “Oh, so chi sei!”
Lui ha risposto:”Ciao, sono Stephen Sondheim!”
E io: “Sì, lo so! Amo il tuo lavoro!”
E lui: “Grazie.”
È stata un’esperienza incredibile a 21 anni.
Non potevo permettermi di essere un tirocinante a New York City, così andai a lavorare come assistente in un’agenzia di talento boutique.
Quell’anno, abbiamo avuto un paio di nominati ai Tony Awards, tra cui Susan Schulman, della prima revival di SWEENY TODD al CIRCLE IN THE SQUARE.
Rocky Carroll era uno dei nostri clienti e faceva parte della produzione originale di THE PIANO LESSON.
Infatti, ero seduto ai posti riservati di Rocky alla prima di THE PIANO LESSON con Charles Dutton e Rocky Carroll.
E, come giovane uomo afroamericano di 21 anni, vedere me stesso a Broadway in quel modo, come rappresentato magnificamente nella commedia di August Wilson, è stato un cambiamento di vita.
Ma quattro mesi dopo, ero lontano da New York e non stavo più facendo teatro.
Ho iniziato a diventare un attivista per la giustizia sociale per un po’.
Brett Cullum: Ok, voglio che i miei amici prendano appunti e dicano che io faccio troppo nome-dropping.
Questo è come si fa nome-dropping da professionisti, come tutti i grandi, in un tempo molto breve.
Imparerò molto da te! Derek, tu sei il mio Yoda!
Derek Charles Livingston: Non ho nemmeno menzionato il nome di Bill Finn quando ho parlato di FALSETTOS!
Brett Cullum: Ok. Lo inseriremo più tardi. Ora, senza dubbio hai avuto una carriera eccezionale.
Hai lavorato con grandi persone, e sembra che l’universo sia stato dalla tua parte.
Ti ha messo in contatto con persone chiave che ti hanno permesso di svilupparti e diventare questo fantastico artista!
Ci connettiamo con le persone, portandoci al passo successivo.
E ora, il tuo prossimo lavoro è un’impresa molto impegnativa,
perché stai entrando in alcune scarpe… (Derek interrompe)
Derek Charles Livingston: È un lavoro emozionante piuttosto che scoraggiante! È un po’ più emozionante che scoraggiante.
Brett Cullum: No, no, ti sento! Ma queste scarpe sono state indossate da qualcuno prima di te come direttore artistico di STAGES HOUSTON per un quarto di secolo.
Questa è stata una ricerca enorme e intensa per trovare qualcuno per sostituire Kenn McLaughlin.
Quindi, come hai deciso che STAGES HOUSTON era il posto dove dovevi essere?
Cosa ti ha fatto dire che questo è per Derek Charles Livingston?
Derek Charles Livingston: Bene, ho accennato un po’ alla diversità di Houston, che era molto importante per me personalmente,
ma significava anche che c’era un pubblico qui per opere che parlavano a me.
In realtà, tutte le forme di teatro parlano a me.
E quindi sembrava molto possibile qui.
L’altra cosa era che questo tipo di lavoro era molto presente in STAGES come tradizione!
Aveva tutti i tipi di opere che parlano a vari pubblici, da quelle che ti fanno ridere a quelle che ti fanno piangere.
Ero stato un direttore artistico in un teatro a Los Angeles, LA CELEBRATION, che aveva un palcoscenico intimo,
e amo davvero l’intimità del teatro in un ambiente piccolo.
Ho lavorato anche in teatri più grandi, ma c’è qualcosa di molto speciale a riguardo.
E STAGES ha tre teatri intimi!
Hai menzionato che ero il direttore dello sviluppo di nuove opere al Utah Shakespeare Festival,
che ho fatto per quattro anni,
ma per due degli anni in cui ho ricoperto quel ruolo,
sono stato anche il direttore artistico ad interim presso questo teatro premiato con un Tony in Utah meridionale.
Ho sempre amato il compito della direzione artistica, scegliere una stagione, lavorare con gli artisti, supervisionare e avere conversazioni da quella prospettiva.
Quindi, il mio amore per il lavoro, il lavoro che STAGES ha portato avanti,
e la reputazione di STAGES qui in Texas e nella stessa Houston.
Tutto ciò ha contribuito a farmi voler fare domanda e venire qui.
Se visiti il nostro sito web e guardi il nostro edificio, vedrai scritto a chiare lettere sulle nostre pareti: “Ci sediamo insieme nel buio per imparare ad amarci nella luce.”
L’idea è che possiamo sempre imparare gli uni dagli altri.
Possiamo imparare ad amarci e ad essere più umani l’uno con l’altro,
ed è un aspetto molto presente nel mio DNA.
È una parte fondamentale del lavoro che ho fatto quando non facevo teatro,
e continua a guidarmi e ad alimentarmi come artista.
Il fatto che fosse così importante qui è evidente anche nel nostro sito web,
è anche sul retro della mia carta da visita,
e l’etica e la cultura di questo posto hanno reso realmente questo il posto giusto per me.
E sono stato fortunato che il comitato di ricerca abbia visto qualcosa in me che avrebbero ritenuto buono per STAGES.
Brett Cullum: Sai, STAGES HOUSTON esiste in uno spazio molto diverso da quello della maggior parte degli altri teatri di Houston,
perché hai luoghi come The Alley o The Hobby Center,
che sono spazi molto grandi e non molto intimi.
Producono spettacoli grandiosi come PHANTOM OF THE OPERA,
o grandi gialli di Agatha Christie, o qualcosa di spettacolare.
E poi c’è STAGES.
È un teatro regionale professionale che ha realizzato tante prime mondiali e lavori impressionanti.
Ma il pubblico è lì, a portata di mano, in ogni spazio.
Nessuna area sembra un auditorium.
Tutte le aree ti fanno sentire immediatamente coinvolto.
Quindi, come selezionerai le opere in futuro?
Cosa stai cercando?
Quale eredità vuoi lasciare,
perché hai ereditato una stagione progettata da Kenn per ora?
Non ti conosciamo ancora.
Cosa stai cercando da questa esperienza di stare a STAGES,
dove è tutto così intensamente intimo?
Derek Charles Livingston: Cerco opere che illustrano, intrattengono ed elevano le nostre menti e i nostri spiriti.
E che elevano le persone e le persone in esse.
Elevano i membri del pubblico che assistono.
E voglio distinguere questo dal predicare o dal essere troppo “con messaggio”.
Le migliori opere teatrali sono quelle che contengono il loro obiettivo e tema,
forse persino il punto di vista del drammaturgo.
Ma non credo che sia un buon teatro quando diventa polemico piuttosto che drammatico, guidato dalla storia e interessante in questo modo.
Pertanto, a tale proposito, opere con personaggi e narrazioni molto forti sono appropriate per il nostro palco.
Non devono sopraffare il pubblico essendo troppo eccessive.
Tuttavia, possiamo essere molto dettagliati in questo, in particolare nell’approccio ai valori di produzione, alla narrazione e alle performance.
E, sai, come direttore artistico, credo molto fermamente che i direttori artistici siano artisticamente diretti;
cioè, impartiamo un’estetica e una convinzione,
anche quando non stanno dirigendo, ad altri registi e artisti riguardo a ciò che stiamo cercando di fare su questo palco.
E il pubblico a cui vogliamo rivolgerci e il modo in cui stiamo cercando di farlo.
E per me, le migliori opere parlano alle persone e non parlano dall’alto verso il basso.
Brett Cullum: Qual è la tua più grande sfida entrando a STAGES HOUSTON?
Quali sono le sue più grandi sfide in questo momento, dal tuo punto di vista?
Derek Charles Livingston: Dunque, avendo provenuto dal Utah Shakespeare Festival,
che è un Teatro storied con 62 anni di vita,
e avendo partecipato a conversazioni con i leader del teatro in tutto il paese,
stiamo ancora lavorando e lottando per riportare il pubblico dopo la pandemia,
e il modo di partecipare al teatro è cambiato.
Quindi, imparare ad adattarci a questo.
In precedenza, teatri come il nostro, The Alley, e il Utah Shakespeare Festival erano molto guidati da abbonati che rinnovavano stagione dopo stagione.
Molto di questo è andato perduto,
e abbiamo visto un aumento di acquirenti di biglietti singoli.
Quindi, il problema ora è che dobbiamo assicurarci che tutte le nostre produzioni
siano sempre all’altezza, facendo tutte le cose di cui ho parlato per i membri del pubblico abituali,
e poi costruendo un’identità per loro con l’organizzazione.
È come una famiglia, sai.
Vado a cena con la famiglia, e a volte è davvero fantastico.
E a volte, sai, lo zio Joe dice qualcosa che mi turba davvero.
Ma tornerò alla cena di famiglia successiva perché amo ancora lo zio Joe.
E poi ci sono gli acquirenti di biglietti singoli.
E quindi dobbiamo assicurarci di andare fortemente a cercarli per quello spettacolo in particolare,
e che l’esperienza sia così grande che vorranno tornare la prossima volta che facciamo uno spettacolo simile che li attiri.
Dovrebbero pensare: “Lasciami tornare lì di nuovo perché posso fidarmi di loro, perché il lavoro era così buono!”
Lo paragonerei ai compratori di biglietti di Beyoncé e di Taylor Swift,
e grazie alla loro notorietà, c’è un certo incrocio tra quei pubblici.
Ma entrambe queste donne stanno esaurendo auditoriums e stadi.
E sono per persone che andranno a vederle.
I frequentatori di teatro si sono spostati verso quel modello; voglio vedere quel qualcosa e non solo andare costantemente a un singolo teatro.
E va benissimo.
Dobbiamo riconoscere che è una realtà e non è colpa di nessuno,
e certo non possiamo incolpare i membri del pubblico per essere in questo modo.
Sarebbe insensato incolpare le persone per come assorbono il dramma.
E l’altra cosa è che vogliamo davvero spingerci a STAGES per quale sia l’esperienza teatrale totale?
Quindi, sai, puoi sederti a casa e guardare Netflix e vedere qualsiasi cosa tu voglia all’una di notte o alle due di notte.
Ma quando vieni a teatro, non solo ti siedi in gruppo e assorbi una narrazione con altre persone – che è un’esperienza diversa,
ma qual è l’esperienza quando entri nel nostro ingresso e nella nostra sala?
Vogliamo anche aumentare e migliorare i tipi di discussioni post-spettacolo che abbiamo,
e le discussioni post-spettacolo che non sono solo con gli attori e il regista o il drammaturgo.
Ma ci sono persone della comunità che hanno connessioni con i temi e le storie che sono sui nostri palchi,
in modo che un membro del pubblico che partecipa a quel particolare dibattito possa ascoltare direttamente qualcuno della comunità.
Supera ciò di cui parla lo spettacolo.
Quindi vogliamo veramente coinvolgere le persone.
E, si spera, le persone che partecipano a queste esperienze diranno: “Oh, quando vado a STAGES HOUSTON, non è solo lo spettacolo.
È l’intera esperienza, e non posso ottenere questo seduto a casa.
Brett Cullum: Penso che abbiate l’opportunità di creare qualcosa di diverso dai grandi tour e dagli spettacoli in viaggio.
È incredibile. E incoraggio chiunque non sia mai andato a vivere STAGES.
Derek Charles Livingston: Oh! E perché abbiamo anche un bar davvero buono!
Brett Cullum: Ho cenato lì l’altra sera… vino e formaggio!
Bene, dimmi, quali sono alcune delle tue opere preferite? Mi piacerebbe conoscerti meglio e sapere i tuoi gusti.
Derek Charles Livingston: È divertente perché qui, essendo direttore artistico,
è davvero importante comprendere la propria estetica,
ma anche parlare al pubblico,
quindi mi alzerei alle 3 del mattino per vedere UNCLE VANYA.
Non tutti faranno ciò; la maggior parte delle persone verrà alle 8 per vedere UNCLE VANYA.
E va bene, ma io lo amo, giusto?
Ho menzionato prima THE PIANO LESSON, che è ancora una delle mie esperienze teatrali migliori di sempre,
e penso che il linguaggio nelle opere di August Wilson sia incredibile.
Una delle esperienze più profonde ed emotive che ho avuto a teatro,
direi, è stata con un drammaturgo, Matthew Lopez.
Matthew Lopez ha scritto THE WHIPPING MAN, che ho avuto la possibilità di fare come attore.
È stata l’esperienza più emotivamente coinvolgente per me recitare Simon in quella produzione a Las Vegas.
Ci sono stati momenti in cui, tra i due attori e io… beh… è finita con un momento molto emotivo,
e tutti noi piangevamo.
Saremmo tornati nel camerino e ci saremmo guardati e pianti di nuovo.
È interessante notare che la commedia di Matthew Lopez, THE INHERITANCE,
è un tipo completamente diverso di opera,
la quale ho visto letteralmente l’ultimo giorno a Broadway prima che la pandemia chiudesse i teatri.
Ho parlato di quel periodo dopo aver vissuto a New York e fatto teatro.
Bene, il lavoro che ho ottenuto dopo è stato come educatore per la prevenzione dell’AIDS nel Rhode Island,
e ho fatto quel lavoro in tutto il New England,
il che significava che, all’età di 22 anni, non solo il mio lavoro era la prevenzione e l’educazione sull’HIV,
ma quando ero circondato dalla comunità, sapete, come uomo apertamente queer dove le persone stavano morendo,
mi sono reso conto che non avevo elaborato quello che stava succedendo.
E un momento nella commedia di Matthew Lopez mi ha scombussolato così tanto.
Ho singhiozzato. Le mie lacrime riempirono così tanto il teatro che degli sconosciuti mi si avvicinarono e mi abbracciarono durante l’intervallo.
Quell’esperienza aveva coinvolto così profondamente una parte di me che non riuscivo a contenere il mio singhiozzo.
In effetti, un critico teatrale scrisse su come aveva assistito a quella reazione in sala senza mai, e lo incontrai un anno dopo,
e parlò di cosa significasse avere un uomo così emotivamente coinvolto in quel contesto.
E poi, da professionista del teatro, stavo catalogando: “Oh, questo è un problema. Dovrebbe sistemare questo, o questo non funziona bene.”
Un anno dopo, il Geffen Theater di Los Angeles ha presentato la prima del West Coast di THE INHERITANCE.
Giuro che era come se Matthew Lopez e io avessimo avuto una conversazione,
perché quasi tutto ciò che risultava problematico nella produzione di New York
lui ha affrontato per questa produzione di Los Angeles, e lui era lì quella notte.
Era la prima e dissi: “Ho notato che ci sono alcune differenze in modo molto stimolante!”
E lui ha detto: “Sì, sai, ho davvero voluto garantire che questa produzione di THE INHERITANCE qui
avesse la sua voce e funzionasse in alcuni modi molto particolari!”
Per me, è una cosa eccitante come artista perché ha ottenuto un premio Tony per quella produzione di New York,
ma ha comunque sentito che il lavoro poteva essere migliore.
E questo è il segno di un vero artista, giusto?
Ma, sai, queste sono le mie esperienze più profonde.
E penso che uno dei migliori musical americani scritti negli ultimi 25 anni sia un’opera molto non musicale rispetto al suo tema e soggetto.
Ma dimostra come il musical sia maturato. E quella è NEXT TO NORMAL!
Brett Cullum: Posso dirti che Mitchell, Greco non vede l’ora di fare CABARET a STAGES.
Quindi tienilo a mente.
Derek Charles Livingston: Oh, fidati, è nel nostro radar, e amo CABARET.
Infatti, ho visto letteralmente tre produzioni l’anno scorso in West End,
in Utah in una produzione universitaria, e ho visto un’altra produzione a Los Angeles!
Ogni una di esse era diversa e davvero meravigliosa.
CABARET è uno spettacolo fantastico, e continua a parlare; non smette mai di farlo riguardo a ciò che sta accadendo nella nostra cultura attuale.
Brett Cullum: Bene, grazie mille, Derek Charles Livingston.
Abbiamo parlato a lungo, e sono sicuro che tutti leggendo diranno: “Cosa stanno facendo questi due?”
Derek Charles Livingston: Sì, ovviamente stiamo parlando di STAGES HOUSTON!
Sono entusiasta di essere qui e spero che tutti vengano a STAGES!
Quindi, venite, supportateci!
Grazie per questo tempo.
Apprezzo davvero molto.
